Comment composer une photo?  C’est une grosse question pour laquelle il n’y a pas de réponse définitive.  Dans cet article, je vais vous expliquer comment je compose mes images, les « règles » que je suis.  Notez que je n’aime pas beaucoup le mot « règles »,  je devrais plutôt dire « lignes directrices » ou un autre terme moins contraignant, moins autoritaire que « règles »…

La règle des tiers… non merci!

 

La fameuse règle des tiers – que beaucoup de photographes appliquent à toutes leurs photos comme si c’était un diktat auquel on doit absolument se plier – est une sécurité pour les photographes amateurs qui trouvent réconfort en ayant des balises claires de quoi faire et ne pas faire.

Toutefois allez voir le travail des grands maîtres de la photo (Ansel Adams, Richard Avedon, Robert Doisneau, Joël Meyerowitz, Herb Ritts, Robert Mapplethorpe, etc) et vous allez constater que très souvent leurs photos ne respectent pas la règle des tiers ni la spirale de Fibonacci, le rectangle d’or ou autres règles de composition.  Pourquoi alors leurs photos sont-elles dans des musées?  À cause de l’émotion qu’elles dégagent!

Plutôt que de vous rendre fou avec la règle des tiers, trouvez une façon de mettre de l’émotion dans vos photos.  Arrangez-vous pour que les gens vibrent en regardant vos images.

Guider les yeux des gens

 

Lorsque quelqu’un regarde une photo, ses yeux balaient l’image à la recherche d’un point sur lequel s’accrocher.  Il est donc important que la photo soit composée de façon à guider les yeux des gens sur le point d’intérêt de l’image.  Pour y arriver, il y a plusieurs « trucs » qu’on peut utiliser:

  • Vignettage:  Un léger vignettage autour de la photo va créer un cadre autour de l’image.  Ainsi, les yeux vont rester à l’intérieur de l’image plutôt que de fuir vers l’extérieur.

  • Netteté:  Les yeux vont toujours être attirés vers le point de plus net de la photo.  Par conséquent, en rendant le sujet plus net que le reste de l’image, vous le mettrez en valeur.  Vous pouvez utiliser une faible profondeur de champs pour isoler votre sujet ou créer dans Photoshop des zones de flou.

 

  • Couleurs chaudes:  Les couleurs chaudes attirent l’attention plus que les couleurs froides.  Trouvez une façon de donner à votre sujet des tonalités plus chaudes que celles du reste de la photo.

 

  • Lignes directrices:  Lors de la prise de vue, portez attention aux lignes directrices.  Essayez le plus possible que celles-ci pointent vers le sujet.

 

  • Saturation des couleurs:  Les couleurs saturées accrochent les yeux.  Choisissez attentivement les couleurs des éléments entourant le sujet de sortes qu’elles soient moins saturées que celles du sujet.  Vous pouvez également manipuler la saturation en post-production.

Dans ma photo avec le parapluie jaune, j’ai utilisé plusieurs “trucs”.  J’ai remplacé la couleur du parapluie par une couleur chaude, le jaune du parapluie est plus saturé que les autres couleurs de la photo, j’ai légèrement rendu l’arrière-plan flou et les lignes directrices conduisent les yeux vers le couple.

Ces trucs doivent être appliqués avec modération!  Si on voit qu’il y a eu une retouche, l’image sera dérangeante à regarder.  Les meilleures retouches sont celles qu’on ne voit pas!

 

La technique n’est pas le sujet de la photo

 

Plusieurs photographes amateurs sont fiers de leur photo parce qu’ils ont fait du focus stacking avec 30 photos.  Ou encore parce que le piqué de l’image est « écœurant » grâce à leur super objectif qui coûte 5000$.  La photo est géniale parce qu’on a utilisé un temps d’exposition de 25 minutes qui a rendu l’eau et les nuages complètement flous!  Voyez-vous de quoi je parle?

Les prouesses techniques qui nous font triper en tant que photographes ne veulent rien dire pour le grand public.  Les gens ne savent pas ce qu’est le focus stacking ou le piqué d’un objectif.  Les gens vont aimer la photo si le sujet est intéressant et si elle leur fait ressentir une émotion.  La technique n’est jamais le sujet de la photo.  La technique est un outil pour mettre en valeur le sujet.

 

Trop de contraintes va tuer la photo

 

Si à la prise de vue vous avez une liste de points que vous devez respecter, vous allez être tellement obsédés à vouloir les mettre en place que vous n’aurez plus aucune spontanéité.  Il n’y aura aussi aucune émotion dans vos photos.  La petite étincelle qui fait que les gens vont vibrer en regardant l’image va passer devant vous en une fraction de seconde.  Si vous commencez à penser à la règle des tiers, aux lignes directrices, à la température des couleurs… vous allez manquer votre photo.

Vous devez être émotionnellement disponible pour voir le petit moment d’émotion qui passera devant vous.  N’encombrez pas votre esprit de règles ou de contraintes techniques.  Ajustez votre caméra pour obtenir une photo bien exposée avec la lumière que vous avez et oubliez tout le reste.  Concentrez-vous sur ce que vous vivez, sur ce que vivent les gens autour de vous et déclenchez lorsque vous ressentez un petit moment de magie.  Une fois rendu à l’ordinateur (ou en chambre noir pour ceux qui font de l’argentique) vous pourrez travailler votre photo pour que les yeux des gens aient plaisir à la regarder.

 

Si vous souhaitez améliorer vos photos, je vous invite à lire mon article sur le contraste.  Une bonne gestion du contraste est un autre élément essentiel d’une bonne photo.

 

Je vous invite à regarder le travail des grands maîtres que j’ai mentionnés plus haut.  Inspirez-vous d’eux!

Ansel Adams

Richard Avedon

Robert Doisneau

Joel Meyerowitz

Herb Ritts

Robert Mapplethorpe

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